楽器というもの
お久しぶりです伊藤孝一です
今日の伊藤孝一が説明する音楽の道は楽器というものを伊藤孝一が紹介します
楽器（がっき）とは音楽を奏でるために用いる音の出る器具である。広くは音を出すことができるものすべてを楽器とすることもあるが、一般的には音を出すために作られた器具を指す。また、楽曲のためのものを楽器と呼ぶのであって、音が出るものであっても風鈴などは楽器とは呼ばれない。
多くの楽器は、
振動を作り出す部位（弦、リード、マウスピース、声帯など）
振動を共鳴させたり、音を大きくする部位（共鳴箱、共鳴筒、口腔など）
の双方を備えるが、後者を持たない物も見られる。
楽器分類学上、発音原理に基づく分類である。
体鳴楽器 - ほぼ均質の物質でできた楽器の一部に刺激が与えられることにより音を出す楽器【例：シンバル・グロッケン 等】
膜鳴楽器 - 張力を持たせて張った膜に刺激が与えられることにより音を出す楽器【例:小太鼓(スネアドラム)・大太鼓(バスドラム) 等】
弦鳴楽器 - 張力を持たせて張った糸に刺激が与えられることにより音を出す楽器【例：ヴァイオリン・コントラバス 等】
気鳴楽器 - 息など空気の流れが刺激となり音を出す楽器【例：サンバホイッスル・スライドホイッスル 等】
伊藤孝一が使うのが多いのだと弦鳴楽器ですね
音楽学を語る
伊藤孝一ですこんにちは皆さん
今日の伊藤孝一が説明する音楽の道は伊藤孝一が音楽学を語ることにしますね
音楽学（おんがくがく、英語: musicology、フランス語: musicologie、ドイツ語: musikwissenschaft）とは音楽に関する学問的な研究の総称であり、音楽の哲学とも捉えられる。
西洋音楽・民族音楽、歴史的研究・理論的研究、自然科学的研究などに分類される。研究対象や方法によって、美学、美術史、記号学、心理学、社会学、文化人類学、物理学など、他の学問分野からの影響を受けたり、その方法論を援用したりする。音楽についての研究自体は、古代ギリシアに始まる。紀元前6世紀にピュタゴラスは音程を物理学的に測定した上で数学的な分析を加え、音響調和の理論を基礎付けた。この音響論に始まる音楽理論は19世紀にまで影響を与えている。さらに中世ヨーロッパにおいても自由七科（septem artes liberales）のひとつとしての音楽の理論的研究は盛んであった。だが中世においては、音楽が算術、幾何、天文学とともに数学的四科のひとつであったこともあって、どちらかといえば音程や音の長さなどが興味の中心であった。いわば自然科学的音楽学というべきものが発展し、今日のようなたとえば様式研究などはされることがなかった。この傾向はルネサンス以降も続くが、18世紀に至って今日の意味での音楽学の萌芽がみられはじめる。19世紀後半、ヤーコプシュタールやアードラーによって、歴史的音楽学（音楽史、特に西洋音楽史、記譜法や楽器の歴史）と体系的音楽学（民族音楽学、和声・対位法などに関する理論的研究、音楽音響学、音楽心理学、音楽美学、音楽教育学など）に分けられ、今日の音楽学が基礎づけられた。
スウィング・ジャズなどを説明する
伊藤孝一です、ご無沙汰しています
本日の伊藤孝一が説明する音楽の道は伊藤孝一がスウィング・ジャズなどを説明することにしますね
スウィング・ジャズ（仮名表記によってはスイング・ジャズなどとも）は、1930年代から1940年代初めにかけて大流行した、白人が主体となって作られた大人数編成によるジャズの形態の一つ。黒人ブラスバンドやマーチングバンドと呼ばれるものとは、音楽的には直接の関係はないとされるが、ブラスバンドから発展したともいわれている大人数のジャズ、ビッグバンドの形態の一つ。ジャズの系譜の中では初期のものにあたる。スイングジャズは、スウィングのリズムを含んだ軽快なダンスミュージックであり、ジャズの特徴である即興演奏（アドリブ）や個人演奏（ソロ）よりも、念入りな打ち合わせに基づくビッグバンド全体での演奏（アンサンブル）に重点が置かれた。世界大恐慌で、人々は甘く、癒しの音楽を望む傾向になった。さらに、ラジオや蓄音機の登場で、レコードが普及、一定時間内に終わる必要性が出てきた。また、ライブを観に来た客も、レコードと同じ演奏を期待するようになった。そのため、楽器曲の緻密なアレンジ（編曲）が要求され、アレンジャー（編曲者）も重要視されるようになった。
前時代のディキシーランド・ジャズよりも人数的には大編成であり、即興演奏に重点が置かれるそれに比べ、約束事にコントロールされたアレンジが必要となった。その結果、ライブでもレコードと同じ演奏、甘く軽快でダンサブルな楽曲、大人数での調和などにその特色が見いだされる。
伊藤孝一はジャズてどのものでも好きですね
ア・カペラというもの
伊藤孝一です、みなさんはじめまして
本日から伊藤孝一が音楽を説明するブログを始めることになりました
そういうことで今日はア・カペラというものを伊藤孝一が語っていきます
ア・カッペッラ（イタリア語 : a cappella）は、一般的に、無伴奏で合唱・重唱すること、またはそのための楽曲のことである。音楽史や古楽などの用語としては、ヨーロッパの教会音楽の一様式を指し、伴奏の有無は問わない。元々は後者の意味であったが、そこから派生した前者の意味がもっぱら普及している。
日本語では「アカペラ」、あるいは、イタリア語の発音に近い「ア・カペッラ」との表記も見られる。まれに、英語発音の「アーカペラ」の表記もある。イタリア語のa cappella（アカペラ）は、英語のin chapelに相当し、「聖堂で」「聖堂において」という意味の副詞句である。これが形容詞句・名詞句化して、教会音楽の1つの様式を指すようになった。
ア・カペラ様式の特徴は、
曲の全体または一部がポリフォニーとなっている。
簡素で、歌詞の聞き取りが容易である。
複数のパートからなり、無伴奏または、歌のメロディーをなぞる程度の簡単な伴奏をつけて歌う。
というものである。広義のア・カペラは1と3、あるいは、単に3を満たす教会音楽をさす。したがって、必ずしも「ア・カペラ＝無伴奏」ではない。
ルネサンス音楽では、音楽家が教会を舞台にして、複雑で豪華な曲作りを競い合っていた。このため、宗教儀式なのか音楽会なのか分からない状態となり、また肝心な歌詞が聞き取りにくくなっていた。これを問題視したバチカンは、さまざまな教会改革（対抗改革・トリエント公会議）の一環として、教会音楽の簡素化にとりくんだ。こうして生まれたのがアカペラ様式であり、それをになった代表的な音楽家がジョヴァンニ・ダ・パレストリーナである。事実、パレストリーナの曲は、それ以前の曲よりも平易で歌いやすいものが多い。
ルネサンス合唱曲は、伴奏がつけられるとしても、楽譜は無伴奏の形で書かれているものが多い。ダウランドの作品のようにタブラチュアの形で伴奏譜がついている楽曲もあるものの、世俗曲は伴奏を即興的につけるのが普通であり、宗教曲は上記3の理由から、なおさら楽譜に伴奏パートを記す必要がなかったからである。
こうした事情も加わって、ア・カペラ様式の音楽が無伴奏で歌われるイメージが強く、いつしか「ア・カペラ＝無伴奏合唱」という誤解が生じ、さらには教会音楽以外の無伴奏合唱や無伴奏ボーカルアンサンブルを広くさすようになった。この誤解はクラシック界・ポピュラー界の両方に浸透している。近年は無伴奏独唱をアカペラと呼ぶ極端な用法も広まっている。
